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Excesiva, barroca, violenta y realizada con “una libertad creativa total”, “Balada triste de trompeta”, la “tragedia grotesca” de Álex de la Iglesia que opta al León de Oro, llevó hoy a la Mostra su retrato de la Historia de España del siglo XX filtrado a través de la mirada de dos payasos.

“Me interesa el payaso como símbolo”, explicó el cineasta en un encuentro con la prensa española. “Es una figura terrorífica fuera de contexto, que tiene un ‘link’ con el sacerdote y el torero. Los tres llevan trajes de luces, los tres participan en un ritual de iniciación en el que hay un sacrificio”. Y ese es el primer triángulo que marca esta voluntariamente indigesta película.

“Balada triste de trompeta” está recorrida por una carcajada truncada y escalofriante, por un país que se ríe para maquillar el desamparo. “La expresión ‘España negra’ es una redundancia”, aseguró el también presidente de la Academia de Cine de España, que ha querido hacer con esta cinta “un exorcismo” con el tan conflictivo tema de la memoria histórica.

“Balada triste de trompeta, por un pasado que murió, y que llora y que gime como yo”, cantaba Raphael, y sobre esta estrofa se construye el inquietante cine de esta nueva cinta del autor de “Acción mutante”. “Es la película más difícil que he hecho, pero también de la que más orgulloso me siento”, sentenció.

Desde la Guerra Civil hasta el asesinato de Carrero Blanco, la cinta cuenta la historia del payaso tonto, encarnado por Carlos Areces, y su llegada a una compañía sometida al agresivo carisma del payaso gracioso, encarnado por Antonio de la Torre, con quien rivalizará además por el amor de una mujer: la trapecista que encarna Carolina Bang. Ya van dos triángulos.

El tercero es el del amor, el humor y el horror. “El amor conduce inexorablemente al horror, y la única manera de impedirlo es a través del humor”, resumió De la Iglesia, quien a su vez considera “Balada triste de trompeta” parte de una “trilogía de la degradación de las alturas” junto con “El día de la bestia” y “La comunidad”.

Como en aquellas, un reconocible monumento español sirve para el clímax, y en esta ocasión es la cruz del Valle de los Caídos. “Un lugar que simboliza un pasado terrible”. Y en ella, dos payasos, como las dos Españas, luchan hasta la destrucción mutua.

Llena de imaginario nacional de una época que De la Iglesia recuerda como “una alucinación infernal”, “Balada triste de trompeta”, en las múltiples capas que abarrotan su celuloide, también es “una reivindicación del espíritu cinematográfico patrio. De Pedro Olea, de Mario Camus, de ‘Furtivos’ (de José Luis Borau)”, aseguró.

Y todo ello aderezado con algunos de sus colaboradores habituales: no está su acostumbrado guionista, Jorge Guerricaechevaría, pero sí Roque Baños, que orquesta la película en un tétrico redoble de Semana Santa, y también están actores como Sancho Gracia, Santiago Segura, Terele Pávez o Enrique Villén.

Rodada en nueve semanas y media con un presupuesto de 6 millones de euros, el resultado se estrenará en salas españolas en diciembre.

“No sé si es mi película más adulta, porque me suena muy pretencioso. Pero participa de un sentimiento mío: el de no haber sido nunca un niño”, confesó De la Iglesia, que ya mostró la reverberación trágica de la carcajada en “Muertos de risa”.

“Creo que el único humor que funciona es el que se sabe peligroso”, afirmó quien llega a Venecia con la película recién montada y acompañado por Bang, De la Torre y Areces.

Con la reacción de estupefacción de los espectadores, De la Iglesia ya contaba, pues reconoce que su filme está “desatado” pero era lo más honesto en este momento de su vida. “Una película es mostrarte a ti mismo de una manera violenta”, dijo.

Y de cara al presidente del jurado, Quentin Tarantino, reconoció en él puntos en común. “Los dos tenemos ganas de entretener sin miedo a las consecuencias”. Pero eso “igual es una ventaja, o igual no”.

Sus competidoras en la jornada de hoy son “Non credevamo”, la mastodóntica recreación de la unificación italiana en 200 minutos rodada por Mario Martone y destinada a ser desmembrada en forma de mini serie para la televisión, y “Promises Written in Water”, la cinta dirigida por el polémico Vincent Gallo.

Fuente: EFE.

El cineasta estadounidense de origen griego Elia Kazan (1909-2003) recibe un muy personal homenaje de parte de Martin Scorsese en el documental “A Letter to Elia”, que fue proyectado hoy fuera de concurso en el 67 Festival Internacional de Cine de Venecia.

La cinta, dirigida por Scorsese y Kent Jones, hace un recorrido por los aspectos más importantes de la vida personal y profesional del director de “Al este del Edén” (1955) o “Un tranvía llamado deseo” (1951), ganador de tres Óscar de Hollywood.

Durante la hora de duración de la cinta, Scorsese aparece en pantalla y se muestra sin tapujos para ser la voz narradora de una obra que pretende recordar al director que supo poner imágenes a los mismos procesos y experiencias que él vivió durante su adolescencia en Nueva York.

“El único modo en que puedo decirte lo que has significado para mí es seguir haciendo películas”, afirma Scorsese en un muy sentido final en el que, por primera vez, se dirige directamente al difunto cineasta.

“A Letter to Elia” contiene además algunas declaraciones del propio Kazan grabadas en vida y recuerda también el difícil momento que vivió el cineasta cuando tuvo que comparecer hasta en dos ocasiones ante las autoridades estadounidenses por sus simpatías hacia el comunismo.

En la cinta, Scorsese explica también cómo conoció por primera vez a Kazan en 1964, cuando éste fue a impartir una charla a la Universidad de Nueva York en la que por entonces estudiaba.

Pero más allá de las vivencias personales, el cineasta recuerda la obra de Kazan, esa obra que, según él, destilaba una “potencia encantadora” y que le llegó a hablar de una forma que jamás pensó que nadie pudiera hacer.

Y en ese sentido, tres son los filmes que quedan de relieve por encima de los demás: “Al este del Edén”, “Río salvaje” (1960) y “América, América” (1963), en el que Kazan aborda el fenómeno de la inmigración hacia Estados Unidos del que él se sentía parte.

“Ha sido uno de los artistas que me ha dado más seguridad a la hora de hacer mis propias películas”, explica en el documental Scorsese, quien muestra además algunas fotografías que ya en los últimos años de vida de Kazan pudo hacerse con su tan admirado director de cine.

Fuente: EFE.

La cineasta estadounidense Sofia Coppola volvió a deslumbrar hoy en la Mostra gracias a esa rara habilidad suya, la languidez cinematográfica, que alcanza su máxima expresión en “Somewhere”, interpretada por Stephen Dorff y en la que sigue haciéndose eco del lamento de los que lo tienen todo.

Con su habitual gesto de desagrado y hablando para el cuello blanco de una camisa de rayas azules, la pequeña de los Coppola enfoca con muy buen gusto una historia en la que un actor, Johnny Marco, insatisfecho con sus toneladas de fama, busca reencontrarse a través de la relación con su hija, interpretada por Elle Fanning.

“Me interesa mirar a las personas en sus momentos de transición”, explicó la directora de “Lost in Translation”, “se tienen que aislar del mundo y entrar en contacto con la soledad”.

A lo que Dorff, manso y a la vez espléndido en su papel, añadió que “la soledad llega al actor cada vez que acaba una película”.

Tras el infantil acercamiento al compromiso social realizado ayer por Julian Schnabel, nadie reprochó hoy a Coppola su honesto elitismo al retratar, en tiempos de crisis, el lamento de quienes nunca han cocido un espagueti.

Y mientras se estarán preparando ya los fastos para su fiesta con Marc Jacos y con “Maria Antonieta” como penúltima pieza cinematográfica, la cineasta sigue exhibiendo sin pudor y con genialidad y sutileza el punto de vista de la “pobre niña rica”.

“Me gusta ambientar las películas en hoteles porque yo pasé mucho tiempo en ellos cuando viajaba con mi padre (Francis Ford Coppola). Es un mundo es sí mismo y me gusta la sensación de no permanencia”, explica.

Rodada en Milán, Los Ángeles y Las Vegas, “Somewhere”, vuelve a ser un acto sostenido de prestidigitación de la cineasta: siempre tiene truco, pero sin duda también magia. Mucha magia, en este caso.

Y así, su buen ojo para la música, su talento para la composición y su atmósfera se funden en una estructura narrativa casi invisible, pero que sin embargo mantiene con vigor a la película en las alturas del mejor cine.

La segunda cinta a competición fue la francesa “Happy Few”, de Antony Cordier, que, por el contrario, se abona a la multitud al filmar un cuarteto sexual y amoroso entre los actores Marina Fois, Elodie Bouchez, Roschdy Zem y Nicolás Duvauchellex.

Teniendo en cuenta que a este último se le recuerda más por su faceta de modelo de Hugo Boss, sobra decir que la cinta apuesta por el preciosismo de anuncio de publicidad.

“Es una historia de personajes que viven una utopía pero que, finalmente, se dan cuenta de que son más normales de lo que les gustaría y sienten celos, posesión…”, explicó el director.

“Happy Few” acierta en su reflexión sobre cómo la ruptura de tabúes sentimentales y sexuales requiere a veces, más que apertura moral, una madurez sentimental capaz de sobreponerse a las inevitables inseguridades, comparaciones y envidias. En definitiva, al doble filo de la libertad.

“La propuesta de los personajes es muy pragmática. Inventan una nueva moral que encaje con sus deseos”, aseguró Fois. Pero el planteamiento teórico explota con el baño de realidad: si ya es difícil que dos personas encajen emocionalmente, ampliar la combinatoria a cuatro es sólo abrir la caja de Pandora.

Pero pese a la profundidad de “Happy Few”, la cinta fue recibida con cajas destempladas porque, a pesar del sexo explícito, la batalla la gana el exceso de almíbar en el tratamiento estético y musical, así como en algunas secuencias íntegras de la película.

Eso sí, la cinta se reserva el derecho de contener una de las escenas más comentadas hasta el momento: una relación sexual entre los cuatro protagonistas embadurnados en 40 kilos de harina.

Pero la reacción del público describe el principal lastre del filme. Antes que la sensualidad o incluso la excitación, la gran cuestión fue si lo que desconocía el director era la calidad espesante de la harina o el requisito “sine qua non” de la lubricación para el buen sexo.

Fuente: EFE.

La 67 edición de la mostra de Venecia ha arrancado este miércoles y lo ha hecho a lo grande, con Darren Aronofsky y Robert Rodríguez como invitados estrella de la jornada inaugural. Y aunque ninguno de los dos ha conseguido críticas unánimes, ambos trabajos han recibido el visto bueno de la crítica especializada.

Pocos festivales pueden contar con el privilegio de juntar a Aronofsky y Rodríguez para abrir la sección oficial. Aronofsky, un clásico de Venecia, ha sido el primero de todos. Black Swan es el título del nuevo trabajo del realizador de Requiem por un sueño, en el que vuelve a la senda formal que ya tomara con El Luchador. Más convencional que en sus primeros tres trabajos, más cercano al estilo de la cinta protagonizada por Mickey Rourke, que le valió una nominación al Oscar.

De la misma manera que a Aronofsky relanzó a Rourke, su trabajo junto a Natalie Portman en BlackSwan va a colocar a la actriz en el candelero durante los próximos meses. El premio parece cantado. Porque el Black Swan de Aronofsky es Portman, y solo Portman, en un viaje a una mente enferma, más cercana a la locura que a la cordura. A pesar de ser una propuesta más convencional, viniendo de un director que ha firmado cintas como Pi o La fuente de la vida, la crítica la ha recibido con aplausos durante los créditos.

Aronofsky no puede quejarse de su relación con Venecia. A pesar de haber despertado más odios que pasiones con La fuente de la vida, en su participación hace dos años con El luchador se llevó el León de oro, que le colocó definitivamente en el escalón de los directores de culto de su generación. Abrir la sección oficial del festival ha sido el siguiente paso de un realizador que no deberíar descarta cazar algún premio dentro de diez días.

A machetazo limpio

Robert Rodríguez se sacó de su sombrero tejano un falso tráiler sobre una cinta de venganza protagonizada por un inmigrante mexicano. Machete, que así se llamaba el falso largometraje, se incluyó antes de la proyección de Planet Terror en los cines y, como su hermana mayor, también destilaba ese sabor al cine cutre que tanto le gusta homenajear. Y lo que empezó como una broma, hace unos años, se ha convertido en una gamberrada más de Rodríguez.

Una gamberrada de más de cien minutos, en el buen sentido de la palabra. Machete es a la filmografía de Rodríguez lo que Kill Bill a la de Tarantino, un ejercicio de estilo en el que el guión pasa a un segundo plano para convertir el metraje en una sucesión de muertes, a cada cual más descabellada, y situaciones cómicas. Quizá a Rodríguez le pierde una excesiva seriedad en determinados momentos de Machete, cuando la temática le pide que se desmelene más de lo habitual, pero al final lo que cuenta es que la cinta protagonizada por Danny Trejo es un entretenimiento muy sano y muy divertido.

Contrario a otros certámenes que se guardan lo mejor de su arsenal para la segunda semana, Venecia ha apostado fuerte por los primeros días. Este jueves le llega el turno a Julian Schnabel, el director que llevó a Bardem a su primera nominación al Oscar, y el viernes será la hora de Sofia Coppola. Esto no ha hecho más que comenzar.

Fuente: 20 minutos.

A sus 67 años, el Festival de Cine de Venecia decide “renovarse”, de acuerdo con su director artístico, Marco Müller, aunque la sección oficial presenta una imponente muestra de la cinematografía estadunidense, así como dos películas de habla hispana: Balada triste de trompeta, del español Álex de la Iglesia, y Post Mortem, del chileno Pablo Larraín.

Para Müller, el Festival Internacional de Cine de Venecia “renace” este año tras “revisar y refrescar” las líneas de programación, sobre todo en la sección paralela Horizonte; sin embargo, el 1º de septiembre el certamen arranca con el indispensable glamur de Hollywood que aportará Natalie Portman.

La actriz dará vida a una bailarina del ballet de Nueva York en Black Swan, thriller sicológico en el que intervienen Winona Ryder y Vincent Cassel, dirigidos por Darren Aronofsky, ganador en 2008 del máximo galardón del certamen con The Wrestler.

Éste es el primero de los cuatro títulos estadunidenses en la carrera por el León de Oro, además de un par de coproducciones. Sofia Coppola, hija del gran Francis Ford Coppola, mostrará su cuarta película, Somewhere, con Stephen Dorff y Benicio del Toro en el reparto.

Aires independientes

Aires de western llegan con la cineasta independiente Kelly Reichardt, que revive las experiencias de los colonos en el lejano Oeste con Meek’s Cutoff, mientras el actor Vincent Gallo –otro nombre relacionado exclusivamente con el cine indie– desplegará todas sus facetas en Venecia.

Tras el fracaso en Cannes de The Brown Bunny, Gallo vuelve a medir fuerzas en su cuarta película, escrita, dirigida, producida y protagonizada por él mismo: Promises Written in Water, que concurre por el León de Oro; también en concurso se le verá casi como protagonista absoluto en Essential Killing, que dirige el polaco Jerzy Skolimowski.

Y para quienes esto no sea suficiente, Gallo presenta en Horizontes el corto The Agent, que tiene la curiosidad de que su compañero de plano es Sage Stallone, vástago del boxeador más famoso del cine, Rocky.

Venecia recupera a Monte Hellman, que mostrará Road to Nowhere, su más reciente película desde 1989. El autor de The Shooting fue, además, el productor de la primera cinta de Quentin Tarantino (Perros de reserva), quien este año preside el jurado internacional, del que forma parte, entre otros, el escritor y director mexicano Guillermo Arriaga.

Tarantino tendrá la última palabra en las 24 películas a concurso, de las que sólo se conocen 23 títulos. El 6 de septiembre se sumará a la competición la película sorpresa.

El director vasco Álex de la Iglesia (El día de la bestia) apura los minutos para que el 7 de septiembre esté lista Balada triste de trompeta, su primera película sin su guionista habitual, Jorge Guerricaechevarria. Ambientada durante la Guerra Civil y en los años 70, esta comedia negra se centra en dos payasos (Antonio de la Torre y Carlos Areces) enamorados de una misma mujer (Carolina Bang).

Por su parte, el chileno Pablo Larraín ambienta Post Mortem durante el golpe de Estado que derrocó a Salvador Allende en 1973 y centra el drama en la historia de un trabajador de la morgue (Alfredo Castro), enamorado de una cabaretera que desaparece la noche del golpe, el 11 de septiembre.

También ambientada en los años 70 está Potiche, la película del francés François Ozon, quien, en una comedia, coloca frente a la cámara a dos monstruos de la interpretación gala, Catherine Deneuve y Gérard Depardieu.

Estrellas no faltarán en el más veterano de los festivales internacionales. Así, Dustin Hoffman y Paul Giamatti prometen un duelo interpretativo en Barney’s Version, mientras fuera de concurso Jessica Alba, Robert De Niro y Steven Segal protagonizan Machete, de Robert Rodriguez.

En tanto, del lejano oriente llegan historias de samurais (13 Assasins, del japonés Takashi Miike), así como el único León de Oro que se conoce por ahora: el que se concede al director John Woo, distinguido por su trayectoria.

Italia, país anfitrión, muestra cuatro películas a concurso, entre las que destaca la adaptación de la exitosa novela La soledad de los números primos, con Isabella Rossellini en el reparto.

Fuente: DPA.

El cineasta español Pedro Almodóvar inició, en Santiago de Compostela (noroeste de España), el rodaje de su nueva película, “La piel que habito”, protagonizada, entre otros, por Antonio Banderas y Elena Anaya.

El filme está inspirado libremente en la novela “Tarántula”, del escritor francésThierry Jonquet, y narra la historia del doctor Ledgard, un eminente cirujano plástico, que quiere crear una nueva piel gracias a los avances de la terapia celular.

Este rodaje supone el reencuentro, 21 años después de “Átame”, de Almodóvar y Banderas, quien protagoniza la cinta junto a Anaya, Marisa Paredes, Jan Cornet y Roberto Álamo, entre otros.

Abordado por los periodistas antes del inicio del rodaje, Almodóvar reconoció que tanto él como su equipo, algo más de medio centenar de personas, están “muy contentos”.

La lluvia y los turistas de Santiago de Compostela se “colaron” en el rodaje de “La piel que habito”, que se prolongará durante once semanas y se realizará también en escenarios como el Pazo de Oca, Madrid y Toledo.

Almodóvar salió del instituto San Clemente, en el casco histórico de Santiago de Compostela, y se dirigió hacia el set preparado para grabar una escena exterior con la actriz Susi Sánchez.

Fuente: EFE.

Bill Gates y Warren Buffett han creado un lobby con el que pretenden que las personas más ricas de EE.UU se adhieran a su proyecto “Giving Pledge” (Compromiso de donación) con el que pretenden que cada miembro entregue al menos la mitad de su fortuna a causas benéficas.

Hasta el momento en la lista ya hay 40 nombres siendo dos de los más conocidos Paul Allen, co-fundador de Microsoft, y George Lucas, el famoso director de Star Wars.

“Estamos empezando pero nuestra idea es conversar con ellos sobre su riqueza y sobre como la pueden emplear y la verdad es que estamos muy contentos porque muchos de los ya apuntados se han comprometido a superar el nivel del 50 por ciento” dijo Buffett.

Preguntado por los motivos para esta generosa aportación George Lucas dijo: “Es la clave para nuestra supervivencia como especie. Tenemos que planificar nuestro futuro colectivo, y el primer paso son los instrumentos sociales, emocionales e intelectuales que proporcionamos a nuestros hijos”.

Fuente: Lores del Sith.

La serie de las películas de la saga de ciencia ficción ‘Las Guerra de las Galaxias’ será comercializada en Blu-ray según ha anunciado George Lucas. El paso al formato de alta definición de las pelis de Star Wars era esperada por los aficionados y llegará para celebrar el trigésimo quinto aniversario del Episodio IV: A New Hope (“Una nueva esperanza”) el primer título de la serie. Estaría basada en las ediciones especiales remasterizadas de la serie con disponibilidad en otoño de 2011.

El pack de Las Guerras de las Galaxias en Blu-ray incluiría la versión especial remasterizada de la trilogía original y no una conversión de la versión cinematográfica directamente a Blu-ray ya que costaría demasiado según indicó George Lucas.

Esta edición especial de Star Wars además de las películas incluiría documentales, entrevistas, tomas falsas y distinto material, como escenas eliminadas del montaje, como la que se pudo ver en el video de El Retorno del Jedi que entusiasmó a los asistentes al Star Wars Celebration V.

Este año quedará en el anecdotario de Guillermo del Toro con un sabor agridulce. Comenzó mal, con la noticia de que El Hobbit, película a la que le invirtió años de preparación y de lejanía (se tendría que rodar en Nueva Zelanda), se estancó por falta de financiamiento, lo que lo orilló a “tirar la toalla” como director, en uno de los momentos más difíciles de su carrera.

Pero luego llegó la oportunidad de mostrar las primeras imágenes de su trabajo más reciente, Don’t be afraid of the dark, cinta en la que Del Toro brilla en los papeles de productor y coescritor. Las impresiones iniciales que ha despertado el proyecto, con Katie Holmes en el papel estelar, han levantado los bonos del tapatío, quien ha lucido de buen humor en las últimas semanas una vez que superó el obstáculo que le significó El Hobbit.

Don’t be afraid of the dark, cinta de terror al más puro estilo de Del Toro, sería en un inicio clasificada para adolescentes y adultos, sin embargo, recientemente las autoridades estadounidenses le dieron clasificación sólo para adultos.

En declaraciones que el realizador ofreció para la página Movieweb.com, esto, lejos de significar un obstáculo, significa el primer aliciente, pues ya logró “espantar” a los censores de la Unión Americana.

— ¿Qué significado tiene para Guillermo del Toro la versión original de “Don’t be afraid of the dark” (1972)?
— Lo que amaba de la original es que las cosas que se suponían que daban miedo no eran grandes y tenebrosas. Era muy ingeniosa y jugaba con la idea de que los espectadores jamás pudieran ver a ciencia cierta qué pasaba en pantalla. Yo la vi cuando era un niño, y me pareció una película muy poderosa, que influyó mucho en mi imaginación.

— ¿Cómo nació la idea de crear tu propia versión?
— Comencé a escribir el guión en 1998 con la ayuda de Mathew Robbins, y mi idea original era dirigirla. Una de las cosas que me interesaba era utilizar toda esa parafernalia oscura, porque estoy convencido de que lo esencial permanece aun en ésta.

— ¿Por qué le dieron la clasificación “C” a la película?
— En realidad no sabemos muy bien qué escena hizo que los censores nos dieran esa clasificación. Incluso nos limitamos. Hay una donde aparece una mano que explota y se ven tendones saliendo de ella, eso nos pareció un poco fuerte y yo solicité que la quitaran mediante un truco de efectos especiales. Fuera de eso, no tengo idea de los motivos que hizo que nos llevaran a ser una película para adultos.

— ¿Se molestó el estudio (Miramax, subsidiaria de Disney) con el cambio de clasificación?
— El contrato ciertamente decía que tenía que ser una película para adolescentes y adultos (PG-13 en Estado Unidos y B en México) y terminamos como una para adultos (R en Estados Unidos y C en México). Pero sorprendentemente los estudios nos dijeron que no cambiáramos nada, y que la película se va a estrenar tal como está. Eso me dejó con la boca abierta, es como ganar la máxima medalla de los boy scouts (risas).

— A estas alturas de tu carrera ya has sido director, productor y escritor, ¿qué consideras que es más complicado?
— Depende del proyecto, pero creo que lo más difícil para mí ha sido escribir. El trabajo más duro que puedes encontrar es llenar una página en blanco, porque ese será siempre el primer paso para un gran o mal proyecto. Creo que la parte más hermosa de cada película donde he trabajado es la edición, porque allí es donde dejamos fuera todo lo que es basura (risas).

— ¿Por qué “Don’t be afraid of the dark” no fue realizada en 3D?
— Hicimos una investigación sobre cuánto costaría hacerla en 3D a petición del estudio, y la verdad iba a ser muy cara. La cinta sin ese efecto cuesta una fracción de ese precio y la hicimos en 2D porque buscamos preservar el final, la estridencia y la suciedad. Todo radica en algo muy simple: Al ser en 3D es más cara, y al ser más cara, comienzas a perder libertad porque el estudio cuida mucho su inversión.

— ¿Estás en contra de el efecto 3D?
— Se ha dicho mucho eso y es falso. Me gusta. Cuando propusieron que hiciéramos El Hobbit en 3D me opuse, porque la primera no contaría con ese efecto y las otras sí, lo que impediría que tuvieran cohesión. Veo El Hobbit como una gran obra y no como cintas separadas. Lo que yo sí quiero es que mi próxima película sea en 3D.

— ¿Ves en tu futuro una película más de “Hellboy”?
— Me encantaría hacerla. Sí.

Fuente: El Informador.

Aún con carrera comercial por delante, el largometraje Toy Story 3 se ha convertido en la película que más ha recaudado en cines de los estudios Pixar. Hasta el momento lleva ingresados 897 millones de dólares (unos 700 millones de euros) en los cines de todo el mundo desde su estreno, a mediados de junio en Estados Unidos y después en los mercados internacionales. A las salas españolas llegó el 21 de julio.

La cifra hace superar los 867 millones de dólares que había obtenido Buscando a Nemo, de 2003. Por otro lado, el mayor coste actual del precio de las entradas comparado con el de hace 7 años, o el que esta nueva entrega de Toy Story se haya exhibido además en 3D contribuyen a este récord.

Pero también confirma el tirón de la saga creada por John Lasseter, o el que la factoría Pixar, y su unión con Disney, sean no sólo una referencia para cineastas o crítica sino que además sigue contando con el favor del gran público.

A nivel mundial, Toy Story 3 se situaría como la tercera más taquillera de este año, sólo por detrás de Avatar (más de 2.700 millones de dólares desde su estreno, en diciembre del pasado año) y de Alicia en el país de las maravillas, dirigida por Tim Burton para Disney, con 1.023 millones.

En el particular ranking de Pixar, a la tercera de Toy Story y Buscando a Nemo les seguirían en cuarto lugar Up, con 731,3 millones; Los increíbles, quinta, con 632,8 y, sexta, Ratatouille, 620, según datos de The numbers.

Por su parte, Toy Story (1995) ingresó unos 362 millones y Toy Story 2 (1999) logró casi 485. Y mientras esta tercera ha costado 200 millones, el coste de la primera fue de 30, y la segunda de 90.

También se da la circunstancia de que Toy Story3 es el largometraje de más duración de Pixar, con 121 minutos incluyendo los títulos de crédito finales.

Fuente: 20 minutos.